at.mpmn-digital.com
Neue Rezepte

Die Stadt New York verbietet Änderungen am legendären Four Seasons Restaurant

Die Stadt New York verbietet Änderungen am legendären Four Seasons Restaurant


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Die Landmarks Preservation Commission hat eine Maßnahme zur Renovierung des Inneren des berühmten Park Avenue Restaurants abgelehnt

Die New Yorker Landmarks Preservation Commission ist dafür bekannt, dass sie sich mit allen Mitteln für die Rettung historischer Gebäude einsetzt.

Nach einem langen Kampf mit der New Yorker Landmarks Preservation Commission sieht es aus wie Aby Rosen, der Vermieter des denkmalgeschützten Vier Jahreszeiten Restaurantgebäudes in der Park Avenue und 52 Street in Manhattan, nicht in der Lage sein wird, die vorgeschlagenen signifikanten Änderungen an dem ikonischen Restaurant vorzunehmen.

Vergangenes Jahr, wir haben gemeldet dass der unbezahlbare Picasso-Wandteppich, der einst im Flur des Four Seasons hing, wurde entfernt. Diese Entfernung rief den Zorn der hartnäckigen Kommission hervor, die ankündigte, eine einstweilige Verfügung gegen Rosen zu erwirken, um das unbezahlbare Kunstwerk zu schützen. Im Mai schlug Rosen weitere „geringfügige Änderungen“ am Restaurant vor, was zu Empörung in der Historiker- und Architektengemeinschaft führte.

Die Entscheidung, den Umbau des idyllischen Pool Room mit einem sprudelnden Marmorpool als ikonisches Herzstück des Restaurants abzulehnen, ist für Rosen sicherlich ein Rückschlag. Er hatte geplant, die feste obere Trennwand im Raum beweglich zu machen.

„Jemand hätte aufstehen sollen, um zu sagen: ‚Ich möchte Herrn Rosen gratulieren, der die finanzielle Weisheit hat, in dieser Stadt etwas Großartiges zu retten.‘“ Rosen sagte der New York Times. „Ich werde tun, was meiner Meinung nach getan werden sollte. Ich gebe 20 Millionen Dollar aus, um es zu restaurieren.“


Was Sie von Joël Robuchon&rsquos New Restaurant in New York erwarten können

Der gefeierte französische Koch Joël Robuchon ist nach einer fünfjährigen Pause von New York City mit den meisten Michelin-Sternen der Welt (satte 31) zurück. Zur Wiedergeburt seines zweiten US-amerikanischen L&aposATELIER de Joël Robuchon, wechselt der Koch die Schicht von Midtown in den Meatpacking District.

“Midtown war ein kleines Kraftpaket mit vielen Michelin-Sterne-Restaurants und viele davon gibt es noch immer,”, sagte Robuchons Geschäftspartner Alex Gaudelet von Invest Hospitality. “ Als ich Mr. Robuchon zum ersten Mal sagte, dass wir kein L𠆚TELIER in Midtown machen würden, war seine Frage: ‘Werden meine Kunden von Four Seasons zu Meatpacking kommen?’”

Eine Mischung aus interaktiven Sushi-Theken in Japan, spanischem Service im Tapas-Stil und gehobener französischer Küche, das entspannte Degustationsmenü-Konzept L𠆚TELIER, was auf Französisch “workshop” bedeutet, wurde erstmals 2003 in . debütiert Paris ’ Saint-Germain-des-Prés, bevor es im MGM Grand in Las Vegas und Four Seasons New York in die USA ausgebreitet wird.

Nach einem sechsjährigen Aufenthalt in der Stadt schloss Robuchon 2012 sein mit zwei Sternen ausgezeichnetes Restaurant in New York, obwohl es jeden Abend voll war. Das Team begann mit der Suche nach einem neuen Standort und entschied sich schnell für einen Platz in Brookfield Place, aber als sie mit den Zahlen spielten, stellten sie fest, dass der Standort in Bezug auf das Geschäft nicht der beste war. Erneut den Markt durchsuchen, Gaudelet, der mit Spitzenkoch Star Tom Colicchio bei Craftsteak Las Vegas, fing an, mit dem Koch zu plaudern, während er während der Art Basel in seinem Restaurant in Miami dinierte. Zu diesem Zeitpunkt gab Colicchio bekannt, dass er in New York verkleinert und sein Meatpacking-Standort bald zu gewinnen sein würde. Mit seinen raumhohen Fenstern, Backsteinwänden und Stahlsäulen passte der ehemalige Colicchio & Sons-Bereich perfekt zu L𠆚TELIER’s charakteristischer Speisetheke mit 34 Sitzplätzen.

Das Viertel beherbergt eine Reihe bekannter Restaurants wie Morimoto und Buddakan, aber es war ein bisschen Arbeit, den 72-jährigen Robuchon davon zu überzeugen, einige der traditionelleren Teile der Stadt zu meiden. Als das Team ihn jedoch über die Straße zum Chelsea Market führte, wurde er sofort verkauft. Er beschrieb es als einen Spaziergang durch ein Museum und war begeistert von der Fülle an Produkten und Geflügel.

Da Robuchon seine eigene Art des Essens verändert hat, um gesundheitsbewusster zu werden, und dabei 60 Pfund abnimmt, haben Sie auch die Angebote in seinen Restaurants. Ein typisches Beispiel: Eines der Degustationsmenüs im L𠆚TELIER wird vegetarisch sein, mit Gerichten wie Auberginen-Confit und Selleriewurzel al dente Tagliatelle. 𠇍ie New Yorker Kundschaft ist für vegetarische Produkte empfänglicher als in Frankreich,” Robuchon sagte in einer E-Mail-Erklärung. �rüber hinaus ist der Zugang zu hochwertigem Bio-Gemüse hier viel breiter als irgendwo sonst auf der Welt.”

Robuchon hat das vegetarische Degustationsmenü zuerst in Paris auf den Markt gebracht, wo es nur 2 Prozent des Umsatzes ausmacht, aber er erwartet in New York einen besseren Erfolg, da die Stadt in Bezug auf diätetische Anforderungen und Wünsche wie glutenfrei, milchfrei und Veganer sind die Regel. Da er hier Bio-Produkte leichter und weit verbreiteter findet als in Frankreich, sind es die Zutaten, die diese Speisekarte wirklich zum Glänzen bringen. Seine aktuelle Obsession: Bio-Erbsen aus Kalifornien.

Sogar für ikonische Grundnahrungsmittel wie die Pomme Purພ oder Kartoffelpüree testete das Team von Robuchon ein halbes Dutzend lokaler Buttersorten, bevor es genau die richtige landete. Das gleiche gilt für sein beliebtes Wachtelgericht. Da Wachteln aus der Region in New York halb so groß waren wie anderswo, mussten sie die Zubereitung für dieses Gericht ändern und beschlossen, Wachteln aus Freilandhaltung zu karamellisieren und mit Foie Gras zu füllen.

Auf dem neungängigen Degustationsmenü “Le Menu Dຜouverte de Saison” werden die Gäste einige andere von New York beeinflusste Speisen wie die gewürzte Ente von Long Island sowie Spezialitäten wie den Rindfleisch- und Foie-Gras-Burger bemerken mit lokalen Zutaten. Das Meatpacking L𠆚TELIER wird auch fünf Brotsorten (sowie eine glutenfreie Version) anbieten, die täglich von Chefbäcker Tetsuya Yamaguchi im Haus gebacken werden, der in den letzten 20 Jahren in den Restaurants des Küchenchefs auf der ganzen Welt gearbeitet hat .

Zusätzlich zu den beiden Degustationsmenüs bietet das L𠆚TELIER à-la-carte-Tapas und Veuve Clicquot Champagner an, die in zwei privaten Speisesälen mit 10 Sitzplätzen aufgeführt werden. Die begehbare LE BAR im vorderen Raum, die parallel zur Bar im Hôtel Metropole Monte-Carlo in Monaco ist, bietet gehobene Drehungen auf französische Bistro-Grundnahrungsmittel wie Croque-Monsieur-Sandwiches. Die schlichte Bar serviert auch eine umfangreiche Champagnerkarte mit gleichnamigen Veuve Clicquot-Cocktails wie dem Robuchon Spritz.

Während der Küchenchef strategisch Restaurants auf der ganzen Welt in prominenten und aufstrebenden kulinarischen Hauptstädten von Macau bis Montreal eingerichtet hat, fühlt er sich, als würde er gerade in den USA die Geschichte beginnen. “New York ist die Hauptstadt der Welt,”, sagte er. “In New York zu sein bedeutet, unter großartigen Profis zu sein, sowohl jungen als auch etablierteren. Es gibt viel Energie und Konkurrenz, die viel Leidenschaft in meine Arbeit bringen.”

L𠆚TELIER de Joël Robuchon wird am 1. November eröffnet.

85 10. Avenue, New York, 212-488-8885


Wut füttern

Mark Rothko wurde am Morgen des 25. Februar 1970 tot in einem weindunklen Meer seines eigenen Blutes gefunden. Er hatte sich am Ellbogen sehr tief in die Arme geschnitten, und der Pool, der von ihm auf dem Boden seines Ateliers ausging, maß 2,40 x 2,80 Meter. Das heißt, es war in der Größenordnung seiner Gemälde. Es war, um die kunstkritische Sprache der Zeit zu entlehnen, ein Farbfeld.

New York hatte zu dieser Zeit eine Meile lange Anklageschrift, wenn es darum ging, Künstler zu töten, insbesondere Maler aus Rothkos Generation - die abstrakten Expressionisten, die epische und verblüffende, rhetorische und stille, introspektive und schillernde Bewegung, deren Intensität und Originalität Manhattan zur Hauptstadt machten der Moderne in der Mitte des 20. Der Selbstmord hatte Arshile Gorky bereits 1948 gefangen genommen. Jackson Pollock kam 1956 bei einem möglicherweise selbstmörderischen Autounfall ums Leben. Ein weiterer zweifelhafter Autounfall sorgte 1965 für den Bildhauer David Smith. Rothko sah aus wie einer der Überlebenden und wurde sogar heimtückisch karikiert als Karrierist, ein kleiner Betrüger, der die Strenge und den Extremismus der abstrakten expressionistischen Malerei in etwas üppiges, buntes, dekoratives und gewinnbringendes verwandelt hatte - bis zu diesem Morgen im Jahr 1970.

Rothkos Tod hat alles verändert. Es veränderte die Bedeutung seines Werkes, gab jeder Begegnung mit seiner Malerei einen schrecklichen Ernst. Es täuschte das flüchtige Auge, indem es Rothkos Motivation so offensichtlich an die Oberfläche brachte, so sichtbar in der Öffentlichkeit, dass es schwer war, jemals wieder mit Subtilität an ihn zu denken.

Sein Tod sorgte auch dafür, dass ein Rätsel im Herzen seiner Malerei niemals gelöst werden würde. Denn Rothkos Vertrag mit der Gesellschaft wurde nicht an diesem Tag im Jahr 1970, sondern ein Jahrzehnt zuvor, im Jahr 1959, aufgelöst. Damals widerrief Rothko plötzlich und unerwartet seine Vereinbarung, 600 Quadratmeter Gemälde für den exklusivsten Raum im neuen Four Seasons Restaurant zur Verfügung zu stellen im Seagram Building in New York - der prestigeträchtigste öffentliche Auftrag, der jemals an einen abstrakten expressionistischen Maler vergeben wurde, eine ungeheuer lukrative und beneidenswerte Chance, seine Arbeit zu neuen Höhen zu führen.

Jackson Pollock hatte die Freiheit und Anmut seiner getropften und geschleuderten Bilder nur wenige Jahre lang erlangt, als er frisch verheiratet und aus der Flasche war, bis er eines Tages wieder anfing zu trinken und in eine Zerstörungsspirale geraten war. Rothkos Krise wegen der Seagram-Wandgemälde war vergleichbar. Es war sein schönster Moment und doch auch das Ende seines unruhigen Waffenstillstands mit Erfolg, Glück und Amerika. Danach entwirrte sich sein Leben und seine Kunst - das Leben katastrophal, die Kunst von schrecklicher Schönheit, immer offener im Umgang mit dem Tod.

Das Rätsel um Rothkos Four Seasons-Wandgemälde ist für uns, das britische Kunstpublikum, besonders dringend, weil wir versehentlich als Rothkos Erben gelandet sind. Es gibt nicht viele echte Meisterwerke der modernen Malerei in Großbritannien. Vor allem haben wir nicht viele großartige Gemälde der abstrakten Expressionisten - mit einer glorreichen Ausnahme. In den späten 1960er-Jahren schenkte Rothko der Tate neun der Gemälde, die er für die Four Seasons bestimmt hatte - "eine fürstliche Geste", wie ihm Norman Reid, der damalige Direktor der Tate, sagte. Es bedurfte vieler Verhandlungen, Rothko bestand auf einem festen, exklusiven Raum für seine Gemälde und widersetzte sich jedem Versuch, diese trostlosen Wandmalereien mit zugänglicheren Beispielen seiner Arbeit zu vermischen.

Die Rothko-Wandbilder in der Tate Modern sind schön in ihrer Unterdrückung, erotisch in ihrer Grausamkeit. Dies sind Gemälde, die auf der Haut innerhalb eines Augenlids zu existieren scheinen. Sie sind das, was Sie sich vorstellen, die letzten Lichter zu sein, die letzten Farbflackern, die sich in einem sich schließenden Geist registrieren. Oder am Ende der Welt. "Apokalyptische Tapete" war eine Beleidigung für Rothkos Malerei. Es ist einfach eine Beschreibung der Apokalypse, die in diesen Gemälden wie ein Muster in einer Tapete lesbar ist - abstrakter, lustvoller Horror. Und doch, wenn wir in dem schwach beleuchteten Raum mit grauen Wänden sitzen, in dem – kontrovers – die Menschenmengen der Tate Modern zwischen zwei Türen hindurchtreten, als ob der Rothko-Raum ein Korridor wäre, scheinen wir zutiefst verwirrt über Rothkos Geschenk zu sein, ob wir es verstehen es oder sogar wollen.

Die Gemälde kamen am Morgen von Rothkos Selbstmord in London an. Tote Männer erzählen keine Märchen. Als Rothko 1970 starb, war nicht klar, warum er den unwahrscheinlichen Auftrag angenommen hatte, ein schickes Restaurant in der Park Avenue im Zwischengeschoss von Manhattans maßgebendstem neuen Wolkenkratzer zu dekorieren. Und er hat nie zufriedenstellend erklärt, warum er 1959 plötzlich und gewaltsam beschloss, seine Bilder zurückzuziehen und das Geld zurückzugeben.

Die Geschichte der Four Seasons Wandbilder wurde von der Machtelite der amerikanischen Kunst geschrieben. Das ist Pech für Rothko und Pech für den Besucher der Tate Modern, der heute im Rothko-Raum sitzt und versucht, diese wunderbaren, düsteren Gemälde zu verstehen.

Über Rothko ist ein Mythos entstanden. Er wurde in Farben gemalt, die nicht seine eigenen sind, als religiöser Künstler, als Schöpfer spiritueller Ikonen der heiligen Leere. Das freut seine Sammler – es spricht für eine gewisse Ehrfurcht vor der Kunst – und es passt Rothko in eine Tradition der abstrakten Malerei als spirituelle Reise, die Ende des 19. Kapelle, die von der Menil Foundation in Houston, Texas, unterhalten wird, die nach seinem Tod eröffnet wurde und zu der die Seagram-Wandgemälde eine Kreuzwegstation sind. Aber dieser mystische Rothko ist unnahbar. Er ist pompös, hochtrabend und bittet darum, verkleinert zu werden. Für viele Besucher der Tate Modern – man kann sie schnell an den besten Kunstwerken des Ortes vorbeigehen sehen – ist Rothko ein geschlossener Fall.

Ich wollte den Fall wieder aufrollen, die Beweise für Rothkos größte Gemäldeserie durchgehen, den Hinweisen von Manhattan bis Pompeji und Florenz folgen – den Orten, an denen Rothko selbst sagte, er habe Inspirationen und Analogien gefunden. Wenn Sie den Pfad aufnehmen, verfolgen Sie Rothkos blutige rote Fußabdrücke. Was Sie vorfinden, ist eine Tragödie nicht des Geistes, sondern der Macht. Es geht um einen Künstler, der seine Stärke mit der von Amerika in seiner sichersten und korporativsten Form ausspielt. Die Seagram- oder Four Seasons-Wandbilder, die zu den besten amerikanischen Kunstwerken gehören, sind keine religiösen Gemälde. Es sind wütende Meditationen über das amerikanische Imperium.

Es gibt keinen Ort, der einen eindrucksvoller, ja sogar nostalgischer in den Zenit des amerikanischen Selbstbewusstseins Mitte des 20. Wenn Sie in die Innenstadt schauen, eröffnet sich eine weite, tiefe Aussicht auf Reichtum und architektonische Macht bis zum MetLife (ehemals Pan Am) Building, dessen Mauer sich aus dem kunstvollen Rumpf der Grand Central Station erhebt und die Park Avenue blockiert. Schauen Sie nach Uptown und die Aussicht wird leerer und wohlhabender. Hier, auf diesem weißen und - an einem Sonntagmorgen - leeren Platz, mit seinen gepflegten Pools und der ruhigen Zurückgezogenheit von der Straße, ist der symbolische Mittelpunkt, das X, das den Ort markiert, den Locus Classicus des amerikanischen Imperiums.

Blickt man durch die kühle hohe Glaswand des Atriums, sieht man die Wachleute an den Aufzugsschächten hängen - der Platz darin ist perfekt, er ist verhältnismäßig, offen und makellos. Schauen Sie nach oben und ein Hauch Dunkelheit schwebt am Himmel. Sie müssen quer über die Park Avenue zurückgehen, um das architektonische Meisterwerk von Ludwig Mies van der Rohe, das Seagram Building, zu messen. Das 525-Fuß-Bürogebäude, das 1954 als neuer Firmensitz von Seagram Distillers in Betrieb genommen und 1958 fertiggestellt wurde, unterscheidet sich mit seinen Wasserspeiern, verchromten Türmen und Luftschiff-Anlegemasten stark von früheren New Yorker Wolkenkratzern. Es lehnt Gothic-Fantasie für eine klassische Klarheit mit der eisigen Brillanz einer Gleichung ab. Schlank, gemein und verheerend schwebt er, ein schwarzer Wächter, auf schmalen Säulen. Seine teuren Materialien - handgegossene Bronzebalken, Travertinstein, dunkles Glas - machen deutlich, dass diese Strenge eher eine ästhetische Entscheidung als eine wirtschaftliche Notwendigkeit ist.

Das Seagram markierte einen entscheidenden Moment in der amerikanischen Corporate Architecture. Es beeindruckte alle, die es als das Höchste und Mächtigste von New York ansahen. Noch bevor es fertig war, tauchte es in dem Film Sweet Smell Of Success aus dem Jahr 1957 mit beleuchteten Fenstern in der Nacht von Manhattan über dem Jazzclub auf. Das New York des Seagram Building ist die bösartige, glamouröse, pochende Jazz-Hauptstadt des Films, ein fröhlich-bissiges Melodram, in dem der despotische Kolumnist JJ Hunsecker, gespielt von Burt Lancaster mit köstlicher Böswilligkeit, die Stadt der Nacht mit der Duldung seines Schmuddels regiert Parasit, Werbeagent Tony Curtis. In dem Film hält Hunsecker mit 21 Jahren um Cocktails und Steaks Hof. Er hätte sich in New Yorks neuestem Power-Brokering-Treffpunkt, dem Four Seasons, wie zu Hause gefühlt.

Ein Pavillon, der sich ordentlich aus dem Erdgeschoss des Seagram herausfaltet, versteckt sich das Restaurant hinter eleganten Vorhängen. Als integraler Bestandteil der Pracht des Seagram von den Masterplanern des Projekts, Phyllis Lambert, der Tochter des Seagram-Direktors, und dem Architekten und Kunstmäzen Philip Johnson geplant, ist das Four Seasons zurückhaltend und doch palastartig - es hat Pools, Laub, reichen Stein und Metall Armaturen und eine fabelhafte Kunstsammlung, um den Gästen zu versichern, dass dies kein gewöhnliches Restaurant ist. Wenn Sie heute dort speisen, können Sie sich an Picassos Vorhang für die Ballets Russes-Produktion von The Three-Cornered Hat erfreuen. Es gibt auch ein Frank-Stella-Zimmer. Aber kein Rothkos.

"Four Seasons Termed Spectacular Both in Décor and Menu", erklärte die New York Times im August 1959. "Es gab noch nie ein Restaurant, das besser auf das Tempo Manhattans abgestimmt war", schwärmte der Rezensent. "Es ist teuer und opulent und es ist vielleicht das aufregendste Restaurant, das in den letzten zwei Jahrzehnten in New York eröffnet wurde." Die Kritik lobt das "gründliche Tischtraining" und das Essen, insbesondere die geflammten Gerichte und die frischen Kräuter, ungewöhnlich in den 1950er Jahren in Amerika. Der einzige Fehler ist für die Times, dass er dem nationalen Appetit auf "grobe" Portionen erliegt. Am schicksten ist die Kunstsammlung. "Die Wände sind reich an Gemälden und Wandteppichen von so modernen Genies wie Picasso, Joan Miró und Jackson Pollock."

Pollocks Blue Poles hing vorübergehend in dem kleineren der beiden Speisesäle, bis die eigens in Auftrag gegebenen wandgroßen Leinwände von Mark Rothko geliefert wurden, die die künstlerische Krönung des Restaurants sein sollten. Kein geringerer Guru der Kunstwelt als Alfred Barr, Direktor des New Yorker Museum of Modern Art, sagte, dass Rothko der Mann sei, der Kunst für die Four Seasons liefert.

Von allen New Yorker Malern, die Ende der 1940er Jahre berühmt wurden, war Rothko der Stadt am meisten verfallen. Als er das Geld hatte, wohnte er in der Sixth Avenue, in der Nähe der Radio City Music Hall. Er hatte Ateliers in der ganzen Stadt und wechselte sie oft – die Four Seasons-Wandbilder wurden in einer ehemaligen Turnhalle an der Bowery gemalt, die er mit einer falschen Wand und einem Flaschenzugsystem aufgerüstet hatte, damit er mit ihrer architektonischen Anordnung experimentieren konnte.

Rothko war intensiv, einsam, links, an Armut und Versagen gewöhnt. Rothko, 1903 in Dvinsk, Russland, in eine jüdische Familie geboren, wanderte im Alter von 10 Jahren mit seiner Familie in die USA aus. Er wuchs als armer Außenseiter in Portland, Oregon, auf, war aber akademisch brillant genug, um 1921 nach Yale zu kommen - was er hasste. 1923 reiste er nach New York City, um "umherzuwandern, herumzubummeln, ein bisschen zu verhungern". Sein New York war eine Stadt der Feinkostläden, U-Bahn-Stationen, Kunstklassenzimmer, Besuche im Metropolitan Museum. Und jetzt, nachdem er ein Leben lang hauptsächlich als unbekannter, erfolgloser Möchtegern-Künstler verbracht hatte, wurden Mark Rothko 35.000 Dollar geboten, um ein Symbol für den Reichtum der Elite Manhattans auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges zu schmücken.

Warum hat er den Auftrag angenommen? Die Berichte darüber, was Rothko gesagt wurde und was er dachte, dass er es tat, gehen auseinander. Der Kritiker Dore Ashton, ein regelmäßiger Besucher in Rothkos Studio, hatte den Eindruck, dass Rothko glaubte, seine Tafeln würden in einem Sitzungssaal hängen, der von einer Mitarbeiterkantine aus einsehbar sei, dass sie für normale Büroangestellte zugänglich wären. Wenn Rothko das glaubte, war es eine Fantasie. Phyllis Lambert und Philip Johnson bestreiten, dass er sich einer solchen Illusion hingeben konnte - sie sagen, er sei sich vollkommen bewusst, dass er Gemälde für ein teures Restaurant malte.

Rothko wusste, was er tat und für was für Leute er es tat. Er betrachtete seine Four Seasons-Wandbilder als gewalttätige, sogar terroristische Kunst, eine brutale ästhetische Rache und genoss die Gelegenheit, die Hände derer zu beißen, die ihn reich gemacht hatten.

Das erzählte Rothko John Fischer, einem Mitreisenden, dem er im Frühsommer 1959 in der Bar eines Ozeandampfers begegnete, der den Atlantik überquerte, nachdem er mehrere Monate an den Bildern gearbeitet hatte. Fischer war Redakteur von Harper's Magazine und ihre Gespräche bei Getränken wurden daher aufgezeichnet - Fischer veröffentlichte im Juli 1970 Portrait Of The Artist As Angry Man, eine Memoiren von Rothko, im Harper's Magazine spielte dem Journalisten vor, dass er das, was er sagte, nicht so meinte, weil das, was er sagte, so aufrührerisch ist. Rothko sagte Fischer, er wolle die Gäste des Four Seasons verärgern, beleidigen und quälen, seine Motivation sei völlig subversiv.

Fischer zitiert Rothko, der den Raum in diesem sehr teuren Restaurant im Seagram Building als "einen Ort bezeichnet, an dem die reichsten Bastarde in New York kommen, um sich zu ernähren und anzugeben".

Rothko kam Fischer nicht im geringsten weltfremd vor, geschweige denn spirituell in Bezug auf seine Absichten. "Ich hoffe, dass ich jedem Mistkerl, der jemals in diesem Raum isst, den Appetit verdirbt", freute er sich mit Gemälden, die diesen reichen Bastarden das Gefühl geben, in einem Raum gefangen zu sein, in dem alle Türen und Fenster zugemauert sind ".

Es gibt so einen Ort. Es ist in Florenz. Die Tür vom Kreuzgang führt in einen Raum, der höher ist als er breit ist und durch eine dunkelgraue Treppe, die sich wie ein Oktopus in den Raum ausbreitet, an Boden mangelt. Man fühlt sich an die Seiten des Raumes zurückgedrängt, wo man zu den Wänden hinaufschaut und sich bewusst wird, dass dieser Raum noch bedrückender ist, als er zunächst aussah. Die Fenster mit ihren massiven Kragsteinen wie Schnörkel in alten Büchern sind versiegelt: Sie sind gerahmte Leerstellen, die den Geist erwarten lassen, Licht, Luft, die Außenwelt zu erwarten, bieten aber keinen Ausweg, sondern drängen in den Raum hinein, der beginnt schwerer, kleiner erscheinen. Die Säulen, die anscheinend sein Gewicht tragen, sind zu dick, prall. Die geschnitzten Ziegenschädel sind ein Hinweis. Michelangelos Vorraum der Laurentinischen Bibliothek, der vom Kreuzgang der Medici-Kirche San Lorenzo abgeht, ist der Vorraum des Todes.

Das Vestibül ist Michelangelos kühnstes architektonisches Werk und eines der beeindruckendsten seiner Werke – und das modernste. Um 1524-6 entstanden, ist es ein sehr frühes Beispiel poetischen Ausdrucks in der Architektur einer Architektur, die bewusst und unverkennbar nicht auf Funktion oder gar spektakuläre Wirkung ausgerichtet ist, sondern um das Raumgefühl zu verändern, die Orientierung zu verlieren - um zu verunsichern und stören. Sie führt zu der verrückten Barockarchitektur Borrominis in Rom und nimmt Daniel Libeskind vorweg. Michelangelo hat es zuerst getan und er hat es am tiefsten getan. Er hat einen Raum geschaffen, der ein Albtraum ist.

Rothko, der 1950 schon einmal in Italien war und Michelangelos Laurentian Library gesehen hatte, die er auf seiner Reise 1959 wieder besuchen würde, sagte Fischer, er sei von dem beeinflusst worden, was er als "düsteres Gewölbe" bezeichnete, wie er anfing, darüber nachzudenken es, als er die Seagram-Wandgemälde malte. „Nachdem ich einige Zeit bei der Arbeit war, merkte ich, dass mich Michelangelos Wände im Treppenhaus der Mediceischen Bibliothek in Florenz unterbewusst stark beeinflussten“, sagte Rothko. „Er hat genau das Gefühl bekommen, nach dem ich suche – er gibt dem Betrachter das Gefühl, in einem Raum gefangen zu sein, in dem alle Türen und Fenster zugemauert sind, sodass er nur noch den Kopf für immer an die Wand stoßen kann ."

In der Mitte des Seagram-Wandgemäldes Black On Maroon (1958) in der Tate Modern schwebt ein schwarzer vertikaler Rahmen wie der eines Gemäldes oder eines Fensters. Es ist eine Öffnung, die wir wie die verschlossenen Fenster von Michelangelos Vorraum durchdringen können sollten, sie sollte dem Geist den Austritt ermöglichen. Stattdessen führt es nur zurück zur kastanienbraunen Barriere. Es ist nicht einmal "vor" dem kastanienbraunen, das sie im selben Flugzeug sitzen. Rothkos Wandbilder reizen uns mit architektonischen Anspielungen, der Vorstellung von Raum, von Fenstern, Türen und Portalen, die ins große Purpur führen, aber hier gibt es nichts als zweidimensionale Farbe auf riesigen Leinwandflächen.

Rothkos Bemerkungen gegenüber Fischer sind eine offene Offenbarung dessen, worum es in den Seagram-Wandgemälden geht, und doch beschönigen Diskussionen über diese Gemälde allzu oft Rothkos Geständnis, als ob es trivial wäre. Deshalb müssen Sie sich die Architektur von Michelangelo ansehen. Das Betreten der Laurentian Library ist keine Frage. Rothkos Gemälde sind Übersetzungen von Michelangelos verschlossenen Fenstern.

Rothko scheint nicht aufgehört zu haben, über die Wandbilder nachzudenken, als er mit seiner Frau Mell, der kleinen Tochter Kate und jetzt Fischer durch Italien tourte. Italien in den 1950er Jahren war der Ort par excellence, an dem das weltbeste Amerika Geld ausgab. Rothko war kein ungewöhnlicher Amerikaner - in seiner Vorliebe für den Tourismus war er typisch. Und wo sonst würde das Amerika des Kalten Krieges auf dem Höhepunkt des amerikanischen Jahrhunderts sein Spiegelbild finden, wenn nicht inmitten der Ruinen des Römischen Reiches? Schiffe nach Italien legten in Neapel an. Bevor sie nach Norden nach Rom und Florenz und zur Laurentian Library reisten, gingen die Rothkos nach Pompeji.

Rothko ging inmitten der Stadt der Toten und grübelte über seine Arbeit. Im stimmungsvollsten der pompejanischen Häuser, der Villa der Mysterien, fiel ihm die Verwendung überraschend tiefer Farben für ein dekoratives Schema auf - Schwarz und Rot. Rothko erzählte Fischer, dass er in der Villa "eine tiefe Verbundenheit" zwischen den Seagram-Wandgemälden und den römischen Wandmalereien spürte - "das gleiche Gefühl, die gleichen weiten Flächen düsterer Farben".

Die Villa der Mysterien liegt außerhalb der Stadt und ist aristokratischer und privater als der Rest der pompejanischen Häuser. Seine Räume sprechen von Geheimnissen - insbesondere der unterirdischen Verehrung von Dionysos, dem Gott des Weines und der Ekstase. Es leitet seinen Namen von einem erstaunlichen Fresko ab, das einen Initiationsritus in den Dionysos-Kult darstellt, das die Wände eines Trikliniums, eines Esszimmers, bedeckt.

Dies ist ein sehr seltsamer Speisesaal. So seltsam und zugleich so luxuriös und höllisch, wie das Esszimmer, das Rothko in New York geplant hatte - ein Ort, an dem die Gäste statt Smalltalk von sinnlichen, okkulten, klaustrophobischen Gemälden bedroht würden.

Ich glaube, Rothko hat mit falscher Beiläufigkeit über Pompeji gesprochen. Es ist unvorstellbar, dass ihm die "Verwandtschaften" zwischen seinem neuesten Werk und der Villa der Mysterien zufällig aufgefallen sind oder dass sie nur mit Farbe zu tun haben. Rothko war mit den römischen Wandmalereien aus Boscoreale im Metropolitan Museum of Art bestens vertraut und studierte intensiv Nietzsches The Birth Of Tragedy, die die apollinischen und dionysischen Prinzipien kontrastierte. Er wollte, dass seine Kunst dionysisch ist, jenseits aller Vernunft. Rothkos Projekt für das Four Seasons war es, eine Anti-Architektur zu schaffen, die die rationale Ordnung von Mies van der Rohes Gebäude verachtete, die die "reichen Bastarde" quälte, die sich zu einem zivilisierten Mittagessen hinsetzten. Er wollte, dass der tödliche Raum von Michelangelos Laurentian Library auf sie eindringt und ihnen den Ausgang verweigert. Er sprach von sich selbst als Architekt - "Ich habe einen Ort geschaffen", sagte er, als er sich die Wandbilder in seinem Bowery-Atelier ansah.

Es ist sehr schön, zu reisen, sang Frank Sinatra, aber es ist so viel schöner, nach Hause zu kommen. Als Rothko im Sommer 1959 aus Europa zurücksegelte, bereitete sich die Four Seasons auf ihre Eröffnung vor. Zurück in New York buchte Rothko einen Tisch für sich und Mell. Was haben sie gegessen, worüber haben sie gesprochen? Es scheint kein glückliches Essen gewesen zu sein. An diesem Abend rief er einen Freund an, um ihm mitzuteilen, dass er das Geld zurückschickte und seine Bilder zurückzog. „Jeder, der so etwas zu solchen Preisen isst, wird sich nie ein Gemälde von mir ansehen“, sagte er seinem Atelierassistenten.

Rothkos Erkundung düsterer Umgebungen auf seiner Italienreise deutet darauf hin, dass er, wie er sagte, beim Malen der Four Seasons-Wandgemälde wirklich aus "Böse" gehandelt hat. Aber es deutet auch darauf hin, dass er beweisen wollte, dass Malerei Macht ausüben kann – dass er seinen Auftrag als "dekorativer" Künstler unterlaufen und ein Tonrestaurant in einen von erhabener Kunst dominierten Raum verwandeln konnte.

Rothko versuchte, die zentrale Idee der Moderne wiederzubeleben – dass Kunst unsere Annahmen erschüttern kann. Seine Seagram-Wandgemälde bleiben die anspruchsvollste Kunst in der Tate Modern – weil sie Ihre Zeit, Emotionen, Gedanken und Engagement erfordern, nur um diese Dinge in Ihr Gesicht zu werfen und den Geist mit einer Wand, einer Endkammer, zu konfrontieren.

Aber kein Künstler in New York hatte 1959 diese Macht. Inmitten des Trubels und Überflusses des Four Seasons muss Rothko das Gefühl gehabt haben, getäuscht worden zu sein – dass die wohlhabenden Gäste nicht gequält werden würden. Diese Kunst konnte nichts ändern. Dass seine Bilder doch nur Dekoration sein würden.

Sie können sich JJ Hunsecker am Nebentisch vorstellen, der ihn verächtlich ansieht. Es ist so schwer, ein Künstler zu sein, spottet Hunsecker in Sweet Smell Of Success, in dieser gröbsten aller möglichen Welten

· Dieser Essay bildet die Grundlage für den Abschlussvortrag in Painting Bites Back, einem Kurs unter der Leitung von Jonathan Jones in der Tate Modern, London SE1, der am 9. Dezember gehalten wird. Rothkos Seagram-Wandbilder sind in der Tate Modern in Zusammenarbeit mit BT ständig ausgestellt.


Die 7 Restaurants, die New York City verändert haben

Von Amerikas unzähligen Restaurants haben nur eine Handvoll den Geschmack weit über ihre eigenen Grenzen hinaus verändert. Noch weniger führten nicht nur neue Lebensmittel und Küchen ein, sondern beeinflussten auch unsere breitere Kultur. Paul Freedmans reichhaltiges neues Buch „Ten Restaurants That Changed America“ (Liveright) erweckt sie zum Leben – und wirft unbeabsichtigt eine provokative Frage auf.

Als langjähriger Restaurantkritiker und Kolumnist musste ich mich fragen: Welche New Yorker Restaurants haben New York verändert?

Es stimmt, dass fünf von Freedmans Game-Changern in New York City sind oder waren: Delmonico's („Amerikas erstes Restaurant“ im 19. Le Pavillon und Die vier Jahreszeiten. Aber bis auf den letzten berührten sie westlich des Hudson River wahrscheinlich mehr Herzen, Gemüter und Mägen als in den fünf Bezirken.

Die kulinarischen Beiträge beliebter Orte wie Le Bernardin, Babbo, Jean-Georges, Restaurant Daniel und Momofuku Ko sind bekannt. Hier sind sieben weitere Restaurants der letzten 30 Jahre, die – obwohl nicht alle großartig nach gastronomischen Maßstäben – den Big Apple an einen anderen Ort gebracht haben.

Die Arepa-Lady

Die Arepa-Lady in Queens J.C. Rice

Ein Imbisswagen in Jackson Heights, unterhalb der erhöhten Linie Nr. 7, ist kein Restaurant (obwohl es jetzt ein kleines Arepa Lady-Café in der Nähe gibt). Aber die Mais-Arepas von María Piedad Cano hatten einen nachhaltigeren Einfluss auf die Essszene der Stadt als ein Dutzend namhafter Produkteinführungen mit berühmten Köchen und Designern.

Cano, a former lawyer and judge in her native Colombia (left), was “discovered” by food writer Jim Leff in 1993. His love for her “magical” corn cakes carried far beyond the pages of the freebie-weekly New York Press.

It introduced eaters who rarely ventured outside Manhattan to Queens neighborhoods’ wealth of globe-spanning cuisines. The Arepa Lady’s mouth-melting cakes ignited appreciation for street food in every borough. Her unpredictability — no one knew when her cart would appear on Roosevelt Avenue near 78th Street — fueled the craving for all edibles elusive and exotic, a fascination that’s a prime mover of today’s eating scene. Leff’s admiration for Cano and others he championed led him in 1997 to co-found Chowhound, the food blog that preceded all the others.

Union Square Café

1985-late 2016 when its lease was up reopening nearby at 101 E. 19th St. in November

Union Square Cafe Zandy Mangold

The contributions of Danny Meyer’s flagship transcend its groundbreaking (for the time) Modern-American menu. While local chefs were chasing seasonal ingredients from California and Chesapeake Bay, Union Square Cafe drew on a source closer to home: the Union Square Greenmarket down the block.

The restaurant’s instant popularity helped catalyze the rebirth of then-squalid Union Square Park. But an equally game-changing legacy was that it did away with old-style dress codes and made customers feel comfortable in a fine-dining environment. Men and women could leave their office garb behind for jeans and open-collar shirts. The service was almost aggressively casual.

Although the new approach was aimed at younger customers, older ones embraced it, too. For better or for worse, USC more than any other single restaurant buried “formal” dining for good.

Pastis

1999-2014, when the building was demolished

When Keith McNally inserted his artfully faux, “rustic” bistro into the Meatpacking District, the area still smelled like a giant pancreas left to rot on the pavement.

Little bistro Florent drew the late-night artsy set, but the nabe’s S&M clubs and meat-hook aura immortalized in Al Pacino’s grisly 1980 “Cruisin’ ” scared off all but the least squeamish.

Pastis changed all that. The one-two punch of a bright and affordable, provincial French menu and McNally’s genius for hype (i.e., “no reservations taken” — except for celebrities)drew the noshing millions. Although what’s now the High Line Park remained a derelict train trestle, the white-hot Pastis scene kick-started an influx of cutting-edge eateries just as meat wholesalers began moving out.

That in turn propelled the boom in real-estate values that eventually doomed Pastis itself (although it is now slated to reopen in different form nearby).

Das Lebensmittelgeschäft

1999-2015, when the weary owners wanted “to get some life back.”

The Grocery in Brooklyn Patrick Siggins

For years after large-scale, brownstone neighborhood gentrification first got under way, “Brooklyn dining” still mostly meant Peter Luger, the River Cafe and Coney Island clam joints. Then, in 2003, the Zagat Survey ranked this obscure, 30-seat bistro in Carroll Gardens as the city’s seventh-best restaurant.

How could a place that few outside the neighborhood had even heard of rank nearly as high as Manhattan’s greatest?

Thanks to Zagat’s goofy voting system, The Grocery might have earned its lofty score because of a handful of ballot-box stuffers. But it put modern “Brooklyn dining” on the media map — and the rest was history.

Grocery’s Zagat breakthrough led owners and chefs to roll the dice all over the borough. Soon came chef-driven Vinegar Hill House, Fette Sau, The Farm on Adderley and later, $250-a-head tasting dinners in Bushwick. The new eating scene drew hordes of hungry new residents and ultimately the coinage of “Brooklyn” as a global brand.

Hatsuhana

Hatsuhana in Midtown Manhattan. Facebook

New York had Japanese restaurants long before Hatsuhana opened its doors. They weren’t all bad. But most were simple neighborhood spots or Benihana-school, tourist-driven places where chefs merrily tossed shrimp in the air for no identifiable purpose.

Then, in April 1983, a four-star New York Times review of Hatsuhana by Mimi Sheraton brought the cuisine — especially sushi — in from the margins. Times reviews carried serious clout in those days, and for the first time, a Japanese restaurant in the heart of Midtown had shockingly earned the rare accolade normally associated with old-school French.

Hatsuhana’s elevation coincided with the great wave of Japanese investment in Manhattan that saw Tokyo-based companies buy Rockefeller Center and brought Japanese fashion to Madison Avenue. Everyone wanted a seat on the Rising Sun express, and the cheapest ticket was ultra-fresh raw fish in its myriad varieties.

Although Hatsuhana today is not what it was, its popularity inspired the high-end Japanese boom that brought forth elegant and pricey sushi shrines such as Sushi Yasuda (whose chef, Maomichi Yasuda, came from Hatsuhana), interpretive riffs such as Peruvian-Japanese Nobu and eventually three-Michelin-star Masa.

Ruby Foo’s

1999-2009, when the recession killed it

Ruby Foo’s in Times Square. Mapquest

Stephen Hanson’s uptown “Chinese” fantasy, which he bravely launched on the un-trendy Upper West Side, was the big box that spawned all of the city’s pan-Asian giants. The cavalcade included Ono, Japonais, Chinatown Brasserie, Kibo, Matsuri and Spice Market. It lives on in the form of ultra-humongous Tao and Hakkasan, the London-born giant that touched down here in the West 30s.

Although some copycats called themselves Japanese or Chinese, all merrily mixed-and-matched far-east cuisines in an enormous, colorfully fanciful, Las Vegas-inspired setting like the one designer David Rockwell introduced here at Ruby Foo’s. Its sprawling menu perfected the crazy-quilt, multi-category format copied by restaurants of every cuisine.

Red Rooster

310 Lenox Ave., opened 2011

Red Rooster in Harlem. David Rosenzweig

This is Exhibit No. 1 of how a visionary chef with a smart business model can bring change far beyond the kitchen.

Chef Marcus Samuelsson’s rollicking bistro — a jolly blend of Ethiopian, southern-American and Swedish influences, served in a colorful dining room behind a retro, horseshoe-shaped bar — made the biggest splash in uptown food since the Harlem Renaissance of the 1920s. But its larger legacy is the renaissance it inspired in the historic African-American neighborhood around Lenox Avenue and West 125th Street.

Emboldened by Red Rooster’s success, a dozen new cafes — Italian, Indian, French, Japanese and “crafted American soul” — have opened on Lenox since 2011. Local residents who were long denied modern dining options suddenly had choices. Downtown customers finally discovered the area’s charms. And a nearby lot that stood empty for decades sprouted a retail complex where Whole Foods will open in early 2017.


City of New York Forbids Changes to Iconic Four Seasons Restaurant - Recipes

I&rsquom writing this nearly 15 months after we closed our dining room, and I&rsquom so excited to share that we will be reopening Eleven Madison Park on June 10th.

The pandemic brought our industry to its knees. With our closure, we laid off most of our team, and truly didn&rsquot know if there was going to be an Eleven Madison Park.

We kept a small team employed, and with their remarkable effort, in collaboration with the nonprofit Rethink Food, we prepared close to a million meals for New Yorkers experiencing food insecurity. Through this work, I experienced the magic of food in a whole new way, and I also saw a different side of our city &ndash and today I love New York more than ever.

What began as an effort to keep our team employed while feeding people in need has become some of the most fulfilling work of my career. It is a chapter in my life that&rsquos been deeply moving, and for which I am very grateful.

It was clear to me that this work must become a cornerstone of our restaurant.

Therefore, we&rsquove evolved our business model. When we reopen Eleven Madison Park on June 10th, every dinner you purchase will allow us to provide five meals to food-insecure New Yorkers. This food is being delivered by Eleven Madison Truck, which is operated by our staff in partnership with Rethink Food. We&rsquove created a circular ecosystem where our guests, our team, and our suppliers all participate.

In the midst of last year, when we began to imagine what EMP would be like after the pandemic &ndash when we started to think about food in creative ways again &ndash we realized that not only has the world changed, but that we have changed as well. We have always operated with sensitivity to the impact we have on our surroundings, but it was becoming ever clearer that the current food system is simply not sustainable, in so many ways.

We use food to express ourselves as richly and authentically as our craft allows &ndash and our creativity has always been tied to a specific moment in time. In this way, the restaurant is a personal expression in dialogue with our guests.

It was clear that after everything we all experienced this past year, we couldn&rsquot open the same restaurant.

With that in mind, I&rsquom excited to share that we&rsquove made the decision to serve a plant-based menu in which we do not use any animal products &mdash every dish is made from vegetables, both from the earth and the sea, as well as fruits, legumes, fungi, grains, and so much more.

We&rsquove been working tirelessly to immerse ourselves in this cuisine. It&rsquos been an incredible journey, a time of so much learning. We are continuing to work with local farms that we have deep connections to, and with ingredients known to us, but we have found new ways to prepare them and to bring them to life.

I find myself most moved and inspired by dishes that center impeccably-prepared vegetables, and have naturally gravitated towards a more plant-based diet. This decision was inspired by the challenge to get to know our ingredients more deeply, and to push ourselves creatively. It wasn&rsquot clear from the onset where we would end up. We promised ourselves that we would only change direction if the experience would be as memorable as before.

We asked ourselves: What are the most delicious aspects of our dishes, and how could we achieve the same level of flavor and texture without meat?

It&rsquos crucial to us that no matter the ingredients, the dish must live up to some of my favorites of the past. It&rsquos a tremendous challenge to create something as satisfying as the lavender honey glazed duck, or the butter poached lobster, recipes that we perfected.

I&rsquom not going to lie, at times I&rsquom up in the middle of the night, thinking about the risk we&rsquore taking abandoning dishes that once defined us.

But then I return to the kitchen and see what we&rsquove created. We are obsessed with making the most flavorful vegetable broths and stocks. Our days are consumed by developing fully plant-based milks, butters and creams. We are exploring fermentation, and understand that time is one of the most precious ingredients. What at first felt limiting began to feel freeing, and we are only scratching the surface.

All this has given us the confidence to reinvent what fine dining can be. It makes us believe that this is a risk worth taking.

It is time to redefine luxury as an experience that serves a higher purpose and maintains a genuine connection to the community. A restaurant experience is about more than what&rsquos on the plate. We are thrilled to share the incredible possibilities of plant-based cuisine while deepening our connection to our homes: both our city and our planet.

I believe that the most exciting time in restaurants is to come. The essence of EMP is stronger than it ever has been. We can&rsquot wait to have you come and experience this new chapter of the restaurant. We look forward to sharing this journey with you.


Proposed Design Changes to the Four Seasons Prompt an Outcry

With its sleek elegance and white marble pool of bubbling water, the Four Seasons restaurant in the landmark Seagram Building has long been considered an architectural gem — not to mention a haunt for the likes of Henry A. Kissinger and Madonna.

Now the owner of the building, Aby J. Rosen of RFR Holding, has proposed making changes to the restaurant — designed by Ludwig Mies van der Rohe and Philip Johnson in 1958 — that have prompted strong objections from some architects and preservationists.

“It’s worrisome,” said Barry Bergdoll, a professor at Columbia University who specializes in 19th- and 20th-century architectural history. “Even just removing a single pane of glass interrupts the spatial modulation.”

In a statement, Mr. Rosen’s company described the plan, which will be reviewed by the Landmarks Preservation Commission this month, as an effort to “restore luster the space possessed upon opening.”

But the company, in apparent response to the criticism, has already scaled back part of the proposal it submitted to the landmarks panel, which is being done in consultation with a noted architect, Annabelle Selldorf.

The restaurant, on East 52nd Street in Manhattan, with its signature 20-foot-high floor-to-ceiling glass windows and rippling chain curtains, consists mainly of two large, square dining areas, the Grill Room and the Pool Room, connected by a travertine-lined corridor. Both sides of the restaurant, whose interior was declared a landmark in 1989, feature rich French walnut wall paneling. The pool is accented by trees at its four corners and surrounded by seating.

Mr. Rosen had originally proposed removing the glass wall in the vestibule between the two rooms and converting the wine cellar behind it into bathrooms. But after the strong reaction to the plan, RFR said it would find a different location for the bathrooms.

“Replacing the wine cellar area with bathrooms never made any sense,” said Peg Breen, president of the New York Landmarks Conservancy, “so we are glad that has been withdrawn.”

Mr. Rosen is sticking with plans to, among other things, remove the bronze and crackled-glass partition in the Grill Room between the bar and the dining area and, on the entry concourse level, to widen the existing lobby to make room for a new coat-check area.

“RFR is seeking to bring back the 52nd Street entry to reflect the original design intent of welcoming discreet seating areas with high-quality furniture and great art on the walls,” the company said in an email.

Beyond its architectural significance, the restaurant has long been a high-profile power center, its tables regularly filled by the rich and famous. Mr. Johnson, who died in 2005, was himself a regular and had lunch there daily at a special table in the corner of the Grill Room.

In 1989, the Four Seasons became the second restaurant whose interior was designated by the Landmarks Preservation Commission (the first was Gage and Tollner’s in Downtown Brooklyn).

Theodore Grunewald, a preservation advocate, said he had many memories of visiting the Four Seasons on special occasions with his family. “I’m concerned about losing the spirit of the Four Seasons,” he said. “It’s a place of great dignity and real elegance, and the renovations that are being proposed are going to make it a busier, louder, brighter kind of place.”

Mr. Rosen and his partner, Michael Fuchs, bought the Seagram Building in 2000. They are scheduled to present their plan for changes to the landmarks panel on May 19. In addition to the interior changes, RFR is proposing exterior changes, which must be approved by the Conservancy.

In 2007, Mr. Rosen agreed to relinquish control of the Seagram Building’s exterior to the Conservancy in exchange for a tax benefit awarded by the city as an incentive to protect landmarks.

“This is one of the great landmark buildings, and this is one of the great landmarked interiors in the country,” Ms. Breen said. “There should be some compelling reason to change anything, and there is no compelling reason.”

The Conservancy only controls changes to the building’s exterior. Its recommendations about the RFR plans for the restaurant’s interior are advisory, although both sets of proposed changes will be reviewed by the landmarks panel at the same time.

Mr. Rosen and the Conservancy recently clashed over the future of a large Picasso stage curtain that used to hang in the corridor it ultimately went to the New-York Historical Society, where it will go on display May 29.

For the building’s exterior, Mr. Rosen had proposed replacing canvas entry canopies — belonging to the Four Seasons, and to the Brasserie restaurant on East 53rd Street — with transparent versions.

The Conservancy objected to those changes. Now he has proposed using “like-kind materials” instead, which, Ms. Breen said, “the Conservancy will have to review.”

Mr. Rosen has maintained that his proposed alterations are small adjustments that will improve the restaurant’s functions without diminishing its aesthetic value. But some design experts insist that while such changes may seem imperceptible, they significantly compromise the architectural intent.

“You can’t just say, ‘Oh, that would look so much better wider,’ ” Mr. Bergdoll said. “It has to do with how a space is experienced.”

“That’s the problems with minimalism,” he added. “Everything is down to this incredible study of dimensions.”

Phyllis Lambert, 88 — a daughter of Samuel Bronfman, the founder of the Seagram Company, who died in 1971 and helped create the building — recently told The Wall Street Journal that the proposed changes were “pretty well unacceptable.” The Bronfman family retains a minority interest in the restaurant.

Mr. Rosen said in a statement that he is being cast unfairly as a developer who does not respect the restaurant’s original design.

“I consider the building to be one of the greatest masterpieces of Modernist architecture,” he said, “and consistently take steps to preserve and curate this landmark aesthetically, functionally and culturally.”


Iconic Four Seasons Restaurant Will Close After Short and Troubled $40M Revival

The iconic and problematic Four Seasons Restaurant will close Tuesday, the New York Times reports, less than a year after a $40 million rebuild in a new space.

The news comes after a troubled 10 months, when critics and the public called the restaurant out for still involving former partner Julian Niccolini, who pleaded guilty to sexual assault in 2016. Niccolini was finally forced to resign in December. Managing partner Alex von Bidder told the Mal that it’s “hard to measure” whether Niccolini’s scandals had a negative effect on business.

In the end, the investors made the decision to close, according to Von Bidder. “We were not doing enough business to satisfy them,” he told the Mal. The restaurant has over 40 investors who pulled together more than $40 million for the rebuild, according to the Wallstreet Journal.

The Four Seasons Restaurant was once known as a power lunch destination, frequently hosting celebrities and dignitaries like Martha Stewart and Henry Kissinger. It opened in the historic Seagram Building in 1959, becoming beloved for its seasonal fare and eventually landmarked space.

In 2016, landlord Aby Rosen forced the Four Seasons out, and last August, the restaurant reopened at 42 East 49th St. It claimed at the time that phones were “ringing off the hook,” and Stewart said she couldn’t “wait” to go back, but its public reception was less warm.

Food critics Pete Wells, Hannah Goldfield, and Adam Platt focused their reviews more on Niccolini than the food from new chef Diego Garcia. Wells said in his one-star review that despite food that’s “better than it has been in years,” Niccolini had “done serious damage to his power to provide” a “sense of safety” while dining there.


A Little Old, a Little New for the Four Seasons Space

Ever since the news broke last year that the grand Midtown space housing the Four Seasons restaurant would be taken over by the three young men behind brassy places like Carbone and Dirty French, one question has loomed above all: Will they preserve the clubby, reliable comforts of the original or strike off in a bold new direction?

As envisioned by the chefs Mario Carbone and Rich Torrisi and their business partner, Jeff Zalaznick, the space on the ground floor of the Seagram Building will become a twinned tribute: The restaurant’s Grill Room will celebrate the virtues of looking back, and the Pool Room will harness the thrill of moving forward.

The current tenants, the restaurateurs Alex von Bidder and Julian Niccolini, will move out in July and hope to re-establish the Four Seasons in a new location. The Carbone-Torrisi crew expects its restaurant, as yet unnamed, to open toward the end of the year.

For the Grill Room, where the well heeled and connected have long held their power lunches, Mr. Carbone is plunging into a library of menus from the earliest phase of the restaurant, which opened in 1959, hoping to recreate many of the vintage dishes.

“I’m really just doing the first decade,” he said in an interview at Carbone. “I don’t know how much interest I have beyond that. I want to be playing in the J.F.K. Welt. He’s my muse.”

Mr. Carbone and his two partners, whose restaurant company is called the Major Food Group, want the tone of the room to be masculine, meat-embracing and signified by the brisk confidence of the Kennedy years. Mr. Zalaznick described it as “a true American grill.”

A few steps away in the Pool Room, however, Mr. Torrisi will oversee a different vision: a shrine to newness. He said the room would have a more feminine feel, a menu revolving around vegetables and seafood, and service that would not shrink from tableside extravagance.

Bild

“Nothing will reference what has happened in the past,” Mr. Torrisi said. “I want this to be the No. 1 room in New York and in America where you go to celebrate.”

He and the others said they would make no major design changes to the rooms the Seagram Building, a touchstone of modernist architecture, has a thicket of landmark protections that discourage them. The landlord, Aby J. Rosen, lost a battle last year to make changes to the restaurant’s interior.

“Basically, if it’s attached to the building and you can’t pick it up and move it, it’s landmarked,” Mr. Carbone said, adding, “We don’t feel handcuffed because you can’t change the greatest restaurant space ever built.”

Was Sie dieses Wochenende kochen können

Sam Sifton hat Menüvorschläge für das Wochenende. Auf New York Times Cooking warten tausende Ideen für das Kochen auf Sie.

    • In diesem Slow-Cooker-Rezept für Garnelen im Fegefeuer entwickelt die würzige Paprika-Tomaten-Sauce über Stunden ihre tiefen Aromen.
    • Setzen Sie in diesem schnellen, frechen grünen Masala-Hähnchen etwas im Laden gekauftes grünes Chutney ein. könnte gut zum Abendessen sein und ein paar Blaubeermuffins zum Frühstück.
    • Zum Nachtisch Wassermelonen-Granita? Oder einen Pfannkuchen mit mazerierten Erdbeeren und Schlagsahne?
    • Und für den Memorial Day selbst? Wissen Sie, dafür haben wir viele, viele Rezepte.

    What they mostly have in mind, they said, is a thorough cleaning of a space that has endured decades of wear and tear. They say they will tweak minor design elements like chairs and tableware, but haven’t settled on the details.

    Mr. Carbone and Mr. Torrisi, who first made a name for themselves as chefs at the tiny (and now closed) Torrisi Italian Specialties on Mulberry Street, said the stark bifurcation of the two rooms’ menus would reflect the differences in their personalities. Mr. Torrisi likes to wing it, coming up with new dishes by improvising with ingredients. Mr. Carbone prefers to stick to a traditional template.

    “I could never work the way he does,” Mr. Carbone said. “I personally like to handcuff myself to things. I won’t do it if it’s not on the menu.”

    To that end, Mr. Carbone has spent hours investigating reams of vintage Four Seasons menus on file at the New York Public Library. In them he has encountered some unfamiliar dishes that offer few clues about how they were made. Sometimes, in a search for details, he consults with Mimi Sheraton, the former New York Times restaurant critic, who has a deep memory of meals at the Four Seasons.

    The research has led far beyond New York. For years, the Four Seasons menu featured an appetizer simply called “coriander prosciutto.” Unsure what the dish entailed, the Major Food partners asked La Quercia, a company in Iowa that specializes in cured meats, to develop prosciutto involving coriander.

    Another menu curio: stroganoff with rare beef. “The ‘rare’ part of it gets us all going,” Mr. Zalaznick said.

    Mr. Carbone aims to honor the dish by creating a stroganoff that is familiar enough for people to recognize, yet also elicits the reaction “Wow, that’s the best version of that dish I’ve ever had,” he said.

    Old menus allude to something called “fancy cake,” a confection conjured up by Albert Kumin, the Four Seasons’ original, Swiss-born pastry chef. Mr. Kumin is now in his 90s and living in Vermont. So Mr. Carbone, Mr. Torrisi and Mr. Zalaznick plan a pilgrimage there to question him about the cake’s provenance.

    They are also making a research voyage to Switzerland because the restaurant’s first chef, Albert Stockli, came from there, and they want to commune with the roots of his cooking. “We’re going to Switzerland just to feel that,” Mr. Zalaznick said.

    They have hired a craftsman in Mexico City to construct huge, elaborate guéridons, or trolleys, that will be used in the Pool Room for the tableside presentation of certain seafood dishes.

    For a third space in the Seagram Building, which previously housed Brasserie, the team hopes to foster a loose, festive atmosphere. The partners have brought in Peter Marino, an esteemed architect known for regularly dressing like a leather-clad biker, to redesign everything in the room, including plates, chairs and server uniforms.

    One form of luxury they will not provide is a tasting menu. Although they drew raves for their New York-themed marathon of plates at Torrisi Italian Specialties, they have decided that tasting menus, often considered a necessity for projecting a chef’s ambition, are an impediment to pleasure.

    “We did it for a moment in time, and it was amazing,” Mr. Carbone said, “but it taught us a lot about what we never want to do again.”


    Four Seasons restaurant closes after 57 years, will open in new location next year

    The Four Seasons served its last supper Saturday night at the midtown spot that has been its home for over a half-century.

    The iconic restaurant, known as the birthplace of the New York City power lunch, is shutting its elegant doors after 57 years, with plans to re-emerge next year a few blocks away.

    Fittingly, the famed eatery did not go quietly.

    "We're just so busy right now," an employee told the Daily News shortly after 9 p.m.


    City of New York Forbids Changes to Iconic Four Seasons Restaurant - Recipes

    Tips on Tables - Robert W. Dana - April 1957

    Luchow’s Marking 75th Anniversary

    World-famed Luchow’s Restaurant, beloved of all ages, celebrates its 75th Anniversary at 110 E. -14th St. tomorrow through Sunday by featuring an eight-course dinner similar to those served in 1882, when August Luchow, a native of Hanover, bought a tiny German restaurant and beer parlor In which he had been a waiter.

    If one of Luchow’s original customers could return today he’d feel completely at home, even more so, perhaps, than he might have a few years ago. Luchow cartoonFor when Jan Mitchell bought the restaurant in 1950, after nearly 10 years of negotiations he restored a number of German dishes absent from the menu for a quarter of a century.

    Wienerschnitzel, saurbraten, pigs knuckles schlemmerschnitte and perfectly cooked game are just a few of the scores of dishes from which the customer can choose.

    And something else for which one can thank Mr. Mitchell is his restoration of the pre-prohibition week-long galas. The venison festival, goose feast, bock beer festival, May wine festival, and midsummer forest festival, complete with a German band, special menu and souvenirs. All of these are included this week.

    Thanks to the Care with which August Luchow handled and dispensed the Wurzburger and Pilsner beers he imported, the delectableness of his Rhine and Moselle wines and the excellentence of his food, Luchow’s was a roaring success by the turn of the century.

    At this time 14th St. was the heart of the musical theatrical, literary and political life of New York, with Tony Pastor’s of variety fame, Steinway LuchowHall the Academy of Music and Tammany Hall. E. H. Sothe,. and Julia Marlow, John Barrymore and Weber and Fields, 0. Henry and 0. 0. McIntyre and Thomas Wolfe and Edgar Lee Masters were regulars.Victor Herbert wrote some of his operettas at Luchow’s, and the table he occupied at lunch is still referred to as the Victor Herbert Corner. In 1914 at Luchow’s, Herbert called the meeting of fellow composers that led to the founding of the American Society of Composers, Authors and Publishers.

    In 1901 August Luchow was persuaded by Herbert to engage an ensemble to play at dinner and supper. The musicians concentrated on Strauss waltzes, excerpts from Wagner operas, Brahms and Victor Herbert. And so it is today with Julius Richter and his musicians.

    Jan Mitchell bought Luchow’s because its traditions, atmosphere and fine food reminded him of his childhood on his family’s estates in Swede. and Finland. He had learned the secrets of good food from the chef who had worked for Alfred Nobel, door of the Nobel prizes, and he had mastered the art of being a perfect host under the eye of his parents, who often, entertained more than 100 guests at a time for hunt parties.

    Luchow’s today consists of seven public dining rooms, with the bar and men’s grill occupying the original site. The main restaurant, fronts on 14th St. Behind it are the garden and cafe, originally an open-air beer garden. On the left is the New Room (opened in 1902) and on the right the Hunting Room, lined with the heads of animals shot by Lucbow. Beyond this is the Niebelungen Room, named for murals with scenes from Wagner’s Ring Cycle.

    The only physical change Mr. Mitchell made in the high-ceilinged, dark-paneled rooms that stretch back to 13th St. was to install air-conditioning. More than 200 beer steins, many of them collector’s pieces, line the walls, as we’ll as 60 oil paintings, including a Van Dyke, a Snydes, a Van Mienis and a Goya. The largest was purchased by Mr. Luchow at the St. Louis World’s Fair in 1904 and years later was discovered to be the work of Sweden’s greatest artist, Augusto Haagborg.

    Website visitor Roger Hall from Australia writes: Thank you for the wonderful review on Luchows. I remember well dining there as a young (16 year old) wide eyed Aussie in 1964 when I backpacked through New York and across the USA on $99 a Day Greyhound ticket.I also dined in Voisin (spell?), and The French Shack I think it was called. My host, a WW2 buddy of my Dad also took me to Four Seasons and to see “Fiddler On the Roof”.
    A most enjoyable trip down memory lane.


    Schau das Video: ACDC - Safe In New York City Official HD Video